Par Olivier Pélisson

Age : à partir de 12 ans
Sortie : 10 avril 2013

Durée : 1h45
Un film français
Genre : Chronique existentielle
Réalisation : Jérôme Bonnell 

Distribution : Emmanuelle Devos, Gabriel Byrne

Cinq longs métrages en dix ans pour Jérôme Bonnell, qui continue de creuser le sillon d’un cinéma de l’intime, entre discrétion et subtilité, depuis Le Chignon d’Olga (2002). Parfois les récits sont serrés, guidés par un personnage, comme celui de Nathalie Boutefeu alias Fanny dans Les Yeux clairs (2005), parfois ils sont plus amples, comme avec les destins croisés de J’attends quelqu’un (2007). Mais toujours ils restent marqués par un glissement progressif, un basculement irrémédiable vers l’inconnu, et souvent vers l’acceptation.

Le Temps de l’aventure suit un glissement vers le désir. Alix est comédienne et joue « La Dame de la mer » d’Ibsen à Calais. Le lendemain matin d’une représentation, elle regagne Paris pour la journée. Elle vient passer une audition pour le film d’un jeune réalisateur. Dans le train, elle aperçoit sur un siège de la rangée opposée le visage d’un homme en larmes. Leurs regards se croisent. Se cherchent mutuellement le long du trajet. A l’arrivée en Gare du Nord, il l’aborde pour savoir comment rejoindre l’église Sainte-Clotilde. Il vient d’Outre-manche. Court-circuités par l’intervention d’un autre passager, leurs chemins se séparent. Pas pour longtemps.

Car Alix est aimantée par cette rencontre de hasard. Alix n’est plus une jeune fille mais elle garde intacte une énergie de battante. Elle court pour repasser chez elle. Orpheline de son chargeur de téléphone, elle passe ses appels dans des cabines publiques. Elle n’arrive pas à joindre son amoureux Antoine. Elle est à découvert et ne peut plus retirer d’argent. Elle n’a plus assez de monnaie pour payer son café. Elle arrive en retard à ses essais. Mais jamais elle ne se démonte. Elle avance, elle enchaîne, elle vibre, elle palpite. Elle est dans la vie. Entièrement. Et surtout,

c’est une aventurière existentielle. Happée par le souvenir tout frais de sa rencontre ferroviaire, elle part en quête de cet Anglais bouleversé. Sans savoir ce qui va arriver. Comme l’Alice de Lewis Carroll, Alix suit son instinct et saute dans le vide.

Jérôme Bonnell a écrit ce sublime rôle pour Emmanuelle Devos, qu’il voulait retrouver après lui avoir offert Agnès dans le collectif J’attends quelqu’un. Et quel rôle. Après Arnaud Desplechin et Jacques Audiard, l’actrice trouve en Bonnell un parfait orfèvre qui lui permet de se lancer à l’image comme sur une page blanche. Elle est de tout le récit, lui donne son souffle, son rythme, son pouls. Filmée de face, de dos, de profil, à même la nuque, le visage ou la peau, elle y trouve un terrain de jeu infini.

Ce qui lui permet de distiller son abattage décalé et son aisance dans l’humour. Elle est tordante lorsqu’elle lance à son interlocutrice téléphonique « J’ai rien d’humain à 6h50. Je vais ressembler à une assiette de flageolets » avant d’entrer en scène pour jouer Ibsen. Idem quand elle sur-joue le bouleversement durant l’audition d’Alix, quand elle se cramponne à un poteau dans la rue et qu’un passant lui lance « Beau couple », ou quand elle se lâche durant l’affrontement avec sa sœur.

Une sacrée énergie aussi. Car elle investit de manière extrêmement physique son personnage et chaque plan. Dans le mouvement, de coulisses en lumières, de couloirs en chambres, de rues en rames de métro. Dans la langue, du français à l’anglais. Jusqu’à l’exercice « actoral » de haute voltige dont elle ne fait qu’une bouchée en dévalant un plan-séquence de six minutes où elle décline une série d’humeurs durant les essais d’Alix. Nourrie de quarante-cinq films, Devos trouve ici un nouveau sommet après la Carla de Sur mes lèvres et la Nora de Rois et reine. Entre aplomb et grâce. Et la maturité lui va bien.

Face à elle, Gabriel Byrne brille de virtuosité toute en intériorité. Habitué du cinéma de genre (La Forteresse noire de Michael Mann, Miller’s Crossing des Coen, Usual Suspects de Bryan Singer, La Fin des temps de Peter Hyams) et du flegme (en psy de la série In Treatment/En analyse), il impose son jeu contenu anglo-saxon avec sa composition d’un être qui se protège des émotions fortes déjà traversées, mais qui se redécouvre prêt à l’aventure.

Bonnell s’avère être définitivement l’un des cinéastes les plus fins en matière de description de l’âme humaine. Son écriture simple et profonde se double d’une mise en scène précise et sensorielle. Il excelle avec cette rencontre entre la saltimbanque et le professeur, l’énergique et le maîtrisé, l’ici et l’ailleurs, et deux chaleurs opposées mais complémentaires. Pour le meilleur.

Par Olivier Pélisson

Age : à partir de 13 ans

Sortie : 13 février 2013

Durée : 1h42
Un film franco-marocain
Genre : Drame
Réalisation : Nadir Moknèche
Interprétation : Lubna Azabal, Rasha Bukvic, Faouzi Bensaïdi, Grégory Gadebois, Anne Coesens, Abbes Zahmani, Ralph Amoussou, Malika El Omari…

Une femme. Au petit matin. En culotte et gilet. Elle fume, téléphone, manipule de l’argent et arpente un appartement. Dès les premiers plans de son quatrième long métrage, Nadir Moknèche creuse son sillon. Au plus près de la femme du Maghreb, émancipée, indépendante, libre, transgressive.

Dounia est jeune et divorcée et s’inscrit dans la lignée de ses « prédécesseuses » Madame Osmane (Le Harem de Mme Osmane), Goucem (Viva Laldjérie) et Zineb alias Madame Aldjéria (Délice Paloma). Libre sexuellement et matériellement. Elle a osé échapper à son mariage et a emménagé avec son amant, avec qui elle mène son chantier immobilier de main de fer. Elle n’attend qu’une chose : passer en douce en Espagne avec son homme et son jeune fils qu’elle compte enlever au père. Pour vivre loin de toute contrainte. Aussi, quand des catacombes chrétiennes sont découvertes sur le chantier, c’est le pactole et l’avenir assurés. Mais les choses ne vont pas se passer comme prévu.

Dounia attire tous les aimants du récit : l’ex-mari qui pourrait passer l’éponge, l’amant qui la sent agir dans l’ombre, l’amoureux transi qui en pince depuis l’enfance, et le fils qui espère revivre avec elle. Beaucoup d’attente pour un seul objet du désir. Mais Nadir Moknèche ne se contente pas de son intrigue psychologique. Il place l’ambition de son film encore plus haut en y mélangeant les genres. Le film noir, avec la mystérieuse disparition d’un ouvrier, des enjeux dangereux, des intérêts financiers contradictoires, et des tensions qui montent de tous côtés. Le témoignage social, avec la lutte des classes entre riches (Dounia et sa mère) et viagra generico pauvres (Ali le chauffeur et sa mère, les ouvriers, les gardiens), ou encore entre citoyens à l’abri et sans-papiers (ouvrier

s venus du Sénégal ou du Soudan). Le mélodrame, avec l’amour maternel qui reste le cœur des motivations de Dounia, et le désir qui fait tenir les êtres mais menace leur équilibre fragile.

Et la sauce prend, en scope, avec une héroïne telle une femme fatale prise dans la tourmente, qui veut rester maîtresse de la toile qu’elle tisse mais qui peut s’y faire prendre. Un pari gonflé tant le cinéma

arabe joue rarement du film noir et de ses codes. Dounia porte souvent ses verres fumés qui comme ses foulards dissimulent aussi ce qu’elle veut cacher. Elle fume sans arrêt et agite ses doigts aux ongles vernis (rouge sang) pour mener sa barque et acheter tout ce qu’elle peut grâce à l’argent.

Une fois la machine emballée, rien ne semble pouvoir arrêter le mécanisme infernal du récit, ou chaque problématique en dévoile une autre. Pour servir de cadre à cette tragédie méditerranéenne, Moknèche réussit aussi à ne pas montrer du Maroc les lieux communs exotiques, de souks en médinas, de danse du ventre en plaisirs enivrants. Ici priment les terrains vagues, les ruelles populaires, les couloirs, les cages d’escaliers, et les corps qui racontent tant.

Des corps qui forment un ballet humain où Moknèche fait preuve d’un sens aigu du casting, doublé d’un bel accompagnement de ses interprètes, tous excellents. En tête, Lubna Azabal continue son chemin singulier et intense. Sèche et charnelle à la fois, elle insuffle une énergie vitale et jamais complaisante à Dounia, sans en faire un être sympathique à tout prix ni larmoyant. Rasha Bukvic incarne une masculinité magnétique et pourtant fragile, lui aussi à la merci des frontières et de la jalousie des hommes. Faouzi Bensaïdi porte la frustration d’un enfant toujours tenu à l’écart et dont la revanche ne peut qu’éclater quand les situations deviennent explosives et que la manipulation exulte. Et Grégory Gadebois transcende avec son humanité bonhomme son personnage de projectionniste amoureux.

A l’image de son personnage central, Moknèche n’a pas peur de jouer avec les interdits et les tabous. Montrer des corps nus, des couples illicites, le désir entre deux hommes, l’insoumission féminine, l’exploitation humaine ou les trafics sans scrupules. Un ton libre et volontaire qui lui a déjà valu des démêlés avec son pays (Algérie), qui lui a refusé un visa pour Délice Paloma, et qui l’a mené ici au Maroc voisin. Le titre même du film et sa résonance désenchantée répondent en miroir à son précédent opus avec Lubna Azabal : Viva Laldjérie ! / Goodbye Morocco. Le parfum de carte postale s’estompe vite devant ce pari nourri de portée politique et fortement abouti. Même si l’issue finale ne chante pas l’épanouissement.

Par Catherine Ruelle

Une rétrospective du cinéma sénégalais, c’est d’abord une immense brassée d’images, de sons, de couleurs, d’histoires ! Un peu plus de soixante années d’une cinématographie à (re)découvrir ; une des premières du continent africain dans les années 60. Aujourd’hui beaucoup de cinéastes et d’acteurs ont disparu, mais les images sont là et continuent à raconter leur histoire.
« Elle est belle la France Diouana ! – Oui Monsieur ! ». Douce et tendre Diouana, – M’Bissine Diop- bercée dans l’illusion de l’ailleurs, d’un paradis qui allait se révéler piège mortel ! On était en 1966. Sembène Ousmane, écrivain reconnu, après avoir réalisé en 1963, le magnifique Borrom Sarret, signait son premier long métrage : la Noire de … un film qui a gardé la grâce et la force politique de ses origines ! En ce temps là, l’immigration n’était pas encore de « masse », le bateau était

un paquebot (et pas une pirogue), mais la mort était déjà au bout du chemin !
Dès le début, le ton était donné ; à travers fictions et documentaires, le cinéma sénégalais allait raconter, avec ses propres images et ses propres mots, les réalités du pays, les interrelations avec le monde et avec la France, ex pays colonisateur avec lequel il fallait régler des comptes ; en ce temps là, le Sénégal était indépendant depuis peu et la barque (Sunugal1), fragile encore, était gouvernée par un poète président !2 Sembène Ousmane allait enchainer très vite avec Le Mandat premier film tourné en woloff, vrai manifeste cinématographique et satire de la nouvelle bourgeoisie, autour de l’histoire d’un mandat envoyé de France et impossible à encaisser. Et tandis que Paulin Soumanou Vieyra, dahoméen3 d’origine, développait les « Actualités sénégalaises » et que des adolescents s’usaient les yeux à tenter de voir des westerns par les trous des palissades des cinémas en plein air, les premiers cinéastes revenaient des lointaines écoles européennes : Ababacar Samb Makharam, venu de Cinecita , metteur en scène inspiré, s’ engageait dans la défense des images du continent au sein de la Fepaci (fédération panafricaine des cinéastes) tout juste créée. Et la neige n’était plus, Kodou et Jom témoignent aujourd’hui de l’immense talent de ce cinéaste aux grands éclats de rire, trop tôt disparu, tout comme « l’homme aux semelles de vent » le magnifique comédien, poète et cinéaste Djibril Diop Mambety, auteur du cultissime Touki-Bouki, (1973) une autre histoire d’amour, de rêve et d’exil vers un « ailleurs meilleur » ; à la fin du film le jeune Mory reste à quai, tandis qu’Anta, -Myriam Niang- quitte le Sénégal sur un autre paquebot blanc ; le même peut- être qui ramènerait au pays près de vingt ans plus tard Linguère Ramatou, vieille dame richissime venue régler ses comptes dans la petite cité de Colobane, dans le film Hyènes (1992).

Attardons-nous un instant sur ces années 70, l’âge d’or du cinéma sénégalais. Les salles de cinéma étaient pleines à craquer, le public adhérait à l’oeuvre de ses cinéastes, dont le talent était reconnu à l’extérieur dans les plus grands festivals internationaux de Cannes à Venise et de Carthage à Ouagadougou. Mahama Traoré, ami et contemporain de Djibril Diop, dénonçait dans N’Jangaan (1974), film brillant monté par Marcel Hanoun, l’emprise croissante du fondamentalisme religieux dans la société. D’autres comme Momar Thiam et Tidiane Aw s’essayaient au cinéma populaire, peignant les affres d’une jeunesse en proie au chômage et aux désordres de la drogue et de la violence, tandis que Ben Diogaye Bey racontait l’histoire des Princes Noirs de Saint Germain des Près.

= »attachment wp-att-1568″ href= »http://www.lecinemadanslesyeux.com/cinema-senegalais-de-la-noire-de%e2%80%a6-a-la-pirogue-soixante-annees-dhistoire/safi-faye/ »>Safi Faye, la grande dame du cinéma sénégalais faisait ses premiers pas de documentariste avec Lettre paysanne (1974) émouvant hommage à son grand père, et constat implacable du néo-colonialisme à travers l’histoire d’une mono-culture imposée par la colonisation, l’arachide. Felix Samba N’Diaye n’était pas loin, avec ses petites histoires des gens de tous les jours, pêcheurs, artisans, matrones, enfants, des « histoires de petites gens » que Djibril Diop Mambety allait magnifier dans La petite vendeuse de soleil son tout dernier film en 1998.
Au début des années 80, sont arrivées de nouvelles générations, avec des films à la première personne, comme Toubab Bi de Moussa Touré, élevé au biberon du cinéma sur les plateaux de François Truffaut, Bertrand Tavernier ou Bernard Giraudeau. Dans ses aventures parisiennes, son double de cinéma était l’acteur Makéna Diop qui allait ensuite interpréter Rambo dans TGV, avant que le cinéaste ne se tourne lui aussi vers le documentaire. Il faudrait parler d’Ousmane William M’Baye, de Moussa Bathily, de Moussa Sène Absa, de Mansour Wade, de Jo Gaye Ramaka qui ont tous réalisé des films très personnels ; parler encore des acteurs et actrices, innombrables et talentueux parmi lesquels Nar Sène, Awa Sène Sarr, Omar Seck, Rokhaya Niang, Fatou N’Daw…

Mais il nous faut arriver aux années contemporaines et à la génération actuelle, celle dont les parents ont vécu l’exil et l’émigration ; celle d’Alain Gomis, réalisateur de l’Afrance, dont le nouveau film Aujourd’hui (2012) raconte le dernier jour de Satché. Satché sait qu’il n’a plus qu’une journée à vivre ; établi aux USA, il retourne chez lui, au Sénégal, pour célébrer sa mort à venir en compagnie des siens. Satché, c’est Saul Williams, musicien et poète hip hop, révélé en 1998 avec Slam. Le film aura été le dernier de Thierno Ndiaye Doss, grand comédien, qui vient de disparaitre après avoir traversé toute l’histoire du cinéma sénégalais.

De la même génération que Alain Gomis, Dyana Gaye. Elle a signé de France quelques magnifiques courts métrages, dont Une femme pour Souleymane, avec Makéna Diop puis à Dakar Deweneti et Un transport en commun (2009) une comédie musicale étonnante avec Umban

U’kset, autre grand comédien et musicien.
A Dakar de nombreuses jeunes femmes poursuivent aujourd’hui dans le documentaire et la fiction, le travail de leur aînée Safi Faye. Elles ont nom Angèle Diabang Brenner, Khadi Sylla, Alice Diop et bien d’autres.
Et l’histoire ne s’arrête pas là ! Même si les salles de cinéma ont fermé, même si les institutions cinématographiques nationales se sont délitées, les ciné-clubs renaissent ; même si les moyens financiers sont plus difficiles à trouver, les cinéastes tournent ; de nouveaux cinéastes prennent la caméra, numérique cette fois !
Le plus beau message d’espoir c’est Sembène Ousmane qui nous l’a envoyé en tournant à quatre vingt ans largement dépassés son dernier film Mooladé, l’histoire d’une femme qui se rebelle et qui dit non ! Le double en couleurs et actif cette fois de la petite Diouana des années 60. Le temps a passé, le cours de l’Histoire a changé, le cinéma sénégalais a atteint l’âge de la maturité et pourtant la « pirogue » est toujours en mouvement.

1 En woloff
2 Léopold Sedar Senghor
3 Béninois aujourd’hui

Par Olivier Pelisson

Affiche du film

Comédie dramatique française

Age : à partir de 12 ans

Sortie :

12 septembre 2012

Durée : 1h55

Réalisation : Noémie Lvovsky

Scénario : Noémie Lvovsky, Florence Seyvos

Interprétation : Noémie Lvovsky, Samir Guesmi, Judith Chemla, India Hair, Julia Faure, Yolande Moreau, Michel Vuillermoz, Denis Podalydès, Vincent Lacoste, Jean-Pierre Léaud, Mathieu Amalric…

Depuis son premier long métrage Oublie-moi, sorti en 1995, Noémie Lvovsky revient à la réalisation tous les quatre ou cinq ans. Pour son cinquième

opus, elle pousse encore plus loin la fantaisie loufoque qui caractérise son univers.

Camille redouble s’affranchit en effet des codes réalistes à travers l’histoire d’une quarantenaire qui, après une copieuse cuite de réveillon suite à son divorce, se réveille à l’aube de ses seize ans. Là, commencent l’émerveillement et le suspense. Emerveillement du personnage qui retrouve avec émotion ses parents depuis disparus, le milieu des années 1980 et ses toujours meilleures copines. Suspense de savoir si elle va revivre la même rencontre amoureuse avec celui qui va la faire tant souffrir vingt-cinq ans plus tard.

Oui, Francis Ford Coppola mettait déjà en scène une héroïne déçue par son couple et qui

se retrouvait après un malaise projetée vingt-cinq ans auparavant dans Peggy Sue s’est mariée. Mais la cinéaste française joue dans une autre cour. Celle de la folie douce et du burlesque. Celle de la tragi-comédie à l’italienne où le rire se mêle à l’émotion.

La bonne idée de Noémie Lvovsky est d’incarner elle-même Camille, cette femme les deux pieds dans la vie. Avec sa présence « ogresque » et fragile à la fois, elle insuffle son énergie singulière qu’elle distille depuis plusieurs années dans le cinéma français, chez ses consœurs et confrères avides d’elle. Décidée ou le visage tremblant, elle se glisse à merveille dans la peau de sa créature et réussit à rendre plausible le postulat de départ : faire adhérer le spectateur à ce film où l’actrice de quarante-cinq ans incarne elle-même sa version adolescente. Tout comme son prince charmant porté haut par Samir Guesmi.

Avec ses rajouts capillaires, ses jupettes, ses collants, ses Doc Martens et son walkman, elle amuse et crée un personnage comique par son décalage à la manière d’un Buster Keaton. Camille est un passeport d’identification idéal pour croire à l’incroyable : le retour dans le passé. Et plutôt que de jouer la carte du passéisme paresseux, la cinéaste dynamite les poncifs dans une quête bouleversante du lien parental. Et surtout maternel. Camille enregistre sur son magnétophone son père et sa mère chantant « Une petite cantate » de Barbara. Camille suit sa mère à la trace dans la maison, sachant la mort de celle-ci prochaine. Camille déborde d’amour désinhibé.

La poésie lunaire de la réalisatrice s’épanouit aussi dans ce voyage au cœur de l’âge

adolescent, berceau des sentiments et du désir. L’amour renaît malgré Camille, de salle de permanence en baiser nocturne à la lumière de réverbères. Elle saisit le charme et l’excentricité d’un quatuor de copines avec un casting bien vu (Judith Chemla, India Hair, Julia Faure) et évoquant bien sûr les quatre autres de La vie ne me fait pas peur. Avec soin et flair, elle offre à de sacrées personnalités des apparitions touchantes (Yolande Moreau) comme décapantes (Jean-Pierre Léaud, Mathieu Amalric).

Une impertinence libertaire nourrit cette aventure. De libertaire à libératrice, il n’y a qu’un pas que le film franchit dans un monde débridé et foutraque. Noémie Lvovsky aime le mélange des genres et l’alliance d’une colonne vertébrale narrative à des idées débridées qui jaillissent. En ressort un long métrage gonflé, dynamisant, et émouvant. Une ode à sa bonne étoile et au cinéma, espace de tous les possibles. Camille redouble de bonheur.

Par Guillaume Dimanche

Cosmopolis de David Cronenberg

On retiendra de ce 65e Festival de Cannes des œuvres qui sont autant de variations sur le thème de la traversée des ténèbres.
Le point commun de quelques uns des films présentés cette année à Cannes (2012), toutes sélections confondues, est leur zone sombre… tels un couloir, un squat, une Limousine aux vitres teintées, un deuil, la pauvreté… qui bien souvent emprisonnent leurs occupants, arrivés par hasard ou non,
dans ces zones d’ombres. La société mal orientée agonise sous leurs yeux.
Nous, spectateurs, ne sommes plus simplement témoins d’un monde en cours de destruction, d’un accident ou d’une fin brutale, comme ce fut le cas lors des éditions précédentes (Melancholia ou Antichrist de Lars Von Trier, Inglorious Basterds de Quentin Tarentino, Le Ruban blanc de Haneke,
Import Export de Ulrich Seidl…). Nous avons désormais sombré sous les ruines

d’un monde perdu. La civilisation occidentale vieillissante est arrivée à sa fin. Les ténèbres sont là. En témoignent cette année les limousines de David Cronenberg dans Cosmopolis et de Carax dans Holly Motors, le cloître obscur de Cristian Mungiu dans Au-delà des collines, ou encore les fr

igos de la mort de Brandon Cronenberg dans Antiviral.

Palmarès de réjouissances éloquent quant au degré d’espérance de nos cinéastes ! Avant, les dégâts semblaient réversibles, comme dans Import Export de Ulrich Seidl en 2007. En 2012, ils entraînent la mort et nous obligent à accepter nos vestiges, sans espoir de retour, loin de toute logique de restitution de nos biens, l’argent s’étant envolé !
Despues de lucia de Michel Franco entraîne plusieurs milliards d’êtres humains, et plus encore, d’êtres vivants dans leur chute.
Extinction des feux !

Despues de Lucia de Michel Franco

Mais, comme à son habitude, le festival nous a tout de même réservé cette année un espace de distraction, avec la comédie historique Moonrise Kingdom de Wes Anderson et la cerise sur le gâteau qu’est le cadeau promotionnel Madagascar. Quelques joyeux entractes ont aussi rythmé les scénarios obscurs de cette sélection, comme la scène magnifique de Holy Motors où Denis Lavant accompagne à l’accordéon une fanfare de tziganes dans une cathédrale.

Alors, avant que la fin du monde n’advienne, aimons et jouissons comme le suggère Taisia Igumentseva, jeune

cinéaste russe de 22 ans, dans son court-métrage Doroga-na (Prix de la Cinéfondation). En dehors, à l’envers,
des conventions et politesses, un jeune homme lutte contre l’idiotie du système, parvient à recevoir et à partager l’amour qu’il reçoit et à exprimer le sien, au mépris de tous les dangers.

Avant les ténèbres, subsiste le cinéma !

Par Bahia Allouache

Drame égyptien

Age :

à partir de 12 ans

Sortie : 30 mai 2012

Durée : 1h40

Réalisation : Mohamed Diab

Interprétation : Nahed El Sebai, Boushra, Nelly Karim, Omar El Saeed, Basem El Samra, Ahmed El Feshawy, Maged El Kedwany.

Le Caire, 2010. Faiza, Seba et Nelly, que tout sépare, se dressent contre la pratique ordinaire et taboue du harcèlement sexuel, subi par les femmes, dans la rue et les transports en commun. Face à elles, les hommes de leur entourage ne se montrent pas nécessairement solidaires…

Film témoin d’une société urbaine en ébullition, LES FEMMES DU BUS 678 sont sans doute celles qui occupèrent, un an plus tard, la place Tahrir pour faire la Révolution.

Le réalisateur

Rencontre avec Mohamed Diab, 34 ans, qui signe là son cinquième film en tant que scénariste et son tout premier en tant que réalisateur.

Propos recueillis par Bahia Allouache

Un petit retour sur votre parcours peut-être…

Le système éducatif égyptien, antérieur à la Révolution, ne stimulait pas nos penchants artistiques. Je n’ai réalisé que je pouvais dessiner que lorsque je suis entré au lycée !

J’ai étudié dans une école de commerce, typiquement le genre d’école destinée aux personnes qui ne savent pas ce qu’elles veulent faire dans la vie. J’ai décroché mon diplôme. Puis, j’ai enchaîné deux ou trois jobs avant de finir dans une banque.

Un peu comme tout le monde, j’avais une idée de film qui me trottait dans la tête. Mes amis me disaient « ne quitte pas ton job tant que tu n’as pas au moins une autre idée de film ! ». C’est ce que j’ai fait. J’avais 26 ans à l’époque.

J’ai toujours été un grand amoureux de cinéma. La seule façon que mon père avait trouvé de me punir c’était de me priver de films. J’ai toujours été attiré par le cinéma sans vraiment savoir ce que je pouvais y faire.

Avec mes idées de film en tête, j’ai quitté mon travail à la banque et trois mois plus tard, j’ai vendu l’une d’entre elles à une boîte de production. Mais je sentais que j’avais besoin d’apprendre pour faire les choses correctement. Je suis donc allé aux Etats-Unis pour étudier le cinéma dans une école.

Je suis scénariste, mais à chaque fois que je voyais les films dont j’étais l’auteur, je trouvais que je pourrais y apporter un plus en les réalisant moi-même. C’est comme ça, progressivement, que je me suis tourné également vers la réalisation.

Et aujourd’hui, vous vous considérez d’abord comme un réalisateur ou un scénariste ?

Aujourd’hui, pour moi, les deux sont indissociables. Ecrire un scenario ce n’est pas écrire un roman. Dans le cas du roman, il n’y a pas d’intermédiaire entre l’auteur et le public. Dans le cas du scenario, les intermédiaires sont nombreux. Il y a le réalisateur, les producteurs, et parfois même les acteurs. Ils modifient ta vision initiale. Elle peut s’avérer meilleure, mais ce n’est plus la tienne ! Alors maintenant, cela m’est devenu pratiquement impossible d’écrire une histoire sans la mettre en scène moi-même. Sans ça, je sais qu’elle ne me ressemblera plus.

Pourquoi avez-vous choisi la fiction et non le documentaire pour aborder le thème du harcèlement sexuel ?

Je suis un écrivain. Je suis fasciné par l’imaginaire, la fiction et les histoires. Pour moi, la question de choisir entre fiction et documentaire ne s'est pas posée.

Que pouvez-vous nous dire sur les trois personnages féminins principaux de votre film : Faiza, Saba et Nelly ?

Ce sont trois femmes qui incarnent les différentes classes sociales et les différentes mentalités de la société égyptienne. On y trouve la fortunée, la plus modeste et celle issue de la middle class. La religieuse, la modérée et la libérale. C’est là tout le message du film : le harcèlement sexuel peut toucher n’importe quelle femme et c’est important de le dire et de le répéter. Cela n’a rien à voir avec les vêtements qu’elle porte ou autre.

Elles vivent toutes les trois au Caire. Quel est leur rapport à cette ville tentaculaire ?